También en algunos elementos decorativos, como es el compromiso con la naturaleza mediante el empleo de elementos de origen vegetal sinuosa y orgánicas. Sin embargo, perviven algunos elementos decorativos vigentes desde mediados del siglo XIX, como es la aplicación de encaje mecánico y sobre todo, el empleo de los tonos del color malva, uno de los primeros y más revolucionarios tintes artificiales.

 En origen se fabricaba en materiales nobles, como metales- oro, plata, latón- o aleaciones o en materiales de origen natural, como hueso, marfil o carey; a mediados del siglo XIX,  la aparición de los plásticos y el uso de moldes para su fabricación, permitieron incrementar  su producción y abaratar su coste, de tal manera que su uso se populariza enormemente. Hoy día su empleo se ha restringido a ocasiones especiales como celebraciones de carácter social o religioso- la Semana Santa, por ejemplo- o fiestas o espectáculos tradicionales, como los taurinos.

El estilo de esta peineta es historicista, tendencia estética que se manifiesta en Europa  en el siglo XVIII y que se desarrolla sobre todo en el siguiente, inspirada  en estilos artísticos anteriores, como el Rococó en el caso de la peineta.

El abanico, cuya función primordial es mover el aire, tiene su origen en la remota Antigüedad y se ha utilizado en diversas culturas. Su tipología, materiales, técnicas de fabricación y significados han evolucionado en el tiempo, así como los estilos artísticos que han inspirado su decoración.

El abanico plegable, de origen oriental, penetró en Europa en el siglo XVI a través de los comerciantes portugueses y su fabricación y uso y se extendieron  por todo el continente; en el  siglo XVII se convirtió en un accesorio imprescindible para las damas más relevantes de la sociedad y en la siguientes centurias su uso se popularizó entre todas las clases sociales. 

El desarrollo tecnológico, comercial y urbano que se produce a finales del siglo XIX provoca un desarrollo de la industria abaniquera y trae consigo un abaratamiento de su precio y una mayor difusión. Se fabrican abanicos destinados a las más variadas ocasiones y adaptados a los cambiantes gustos de la moda con una gran variedad de técnicas, formas, decoraciones, tipologías. 

Este abanico se encuadra dentro del contexto de la Belle Époque; la mujer que decora la guarda luce la moda de la época. 

A este respecto, es muy significativo el artículo «Abanicos de moda» del periódico Blanco y Negro de 9 de junio de 1912:

«Todos los años, en esta época, aparecen en los escaparates de las tiendas elegantes algunos modelos de abanicos que durante la estación hacen furor y después desaparecen para siempre. Su vida es breve, pero en el corto espacio de tiempo que representa la temporada de verano, se apoderan de todas las clases sociales, porque el abanico de moda tiene grandes atractivos para la mujer española.

[…] Ahora, la nota real y verdaderamente de novedad son los abanicos silueteados. El varillaje, de madera fina muy bien tallada, es sencillo, y solo una de las guías representa una figura silueteada. Hay varios modelos, todos ellos de muy buen gusto, y algunos, inconscientemente,  están llamados a conseguir lo que hasta hoy no ha conseguido nadie. El triunfo está reservado a los que reproducen una figurita de mujer vestida según prescribe el último figurín: estrecha de faldas, con un exceso de transparencias y un monumental sombrero.»

Genéricamente se denominaban polvos de arroz, ya que ese era su componente esencial, aunque en su formulación también podían estar presentes sustancias de origen mineral. Su consumo era muy elevado. Según las normas higiénicas, el momento más conveniente para aplicarlos era inmediatamente después de lavarse la cara, con la piel algo húmeda. Para asegurar su adherencia se recomendaba aplicar previamente una loción glicerada, y para facilitar su distribución en el rostro su aplicación debía hacerse siempre con la borla de cisne.

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Según María Antonia Herradón, » La hebilla fue fabricada entre 1904 y 1910 por la Maison Cardeilhac, un negocio ya por entonces centenario dirigido por Amélie Cardeilhac, nuera del fundador, y cuya división de joyería de oro y plata estaba ubicada en Place Vendôme. Según figura en el reverso del marco, la marca de Cardeilhac, descrito como fabricant orfèvre en la bibliografía francesa, era en esa época un losange vertical con las iniciales A. C., una cruz de honor coronada en la parte superior, y un creciente en la inferior. Una característica singular de la pieza es que su mecanismo de cierre está sobredorado, una solución decorativa que proclama lo cuidado de su ejecución y que por lo general está asociada exclusivamente a las hebillas de producción francesa. Por su parte, el apellido del diseñador se dispone en un lugar destacado del anverso».

El diseño modernista lo vemos reflejado en  la figura de la mujer inserta en elementos vegetales sinuosos.

Según María Antonia Herradón este broche fue fabricado en  la ciudad alemana de Pforzheim, «cuna de una producción joyera a escala industrial impulsada, entre otros, por el diseñador y artífice Theodor Fahrner (1868-1928), de sus talleres salieron entre 1900 y 1914 millones de piezas de joyería. Aunque el contacto de los diseñadores y empresarios alemanes con las novedades de París en este campo fue continuo y estrecho, también concibieron modelos de gran originalidad».

Siguiendo a la misma investigadora,  «Una particularidad de esta pieza es que en ella resuenan los ecos de piezas firmadas en París por Piel Frères. Otra es que está fabricada en latón dorado, estampado y parcialmente plateado, de forma que viene a ser un buen ejemplo de esa producción joyera muy industrializada pero que no perdió el gusto por ofrecer piezas de estética moderna y atractiva».

Estas piezas, realizadas en Birmingham por el británico Joseph Gloster en 1901 y 1902, tienen una iconografía y un estilo claramente modernista, como queda reflejado tanto en el motivo decorativo utilizado- una figura femenina  vestida con túnica e inserta en la corola de una flor-  como  en su diseño a base de líneas curvas y sinuosas. 

El movimiento Arts & Crafts surge en Inglaterra a finales del siglo XIX; propone la revalorización de la artesanía y las artes industriales frente a la producción en serie consecuencia de la industrialización. Estas ideas inspiran una corriente de renovación estética que se extenderá por Europa y América hasta la Primera Guerra Mundial con distintas denominaciones: Art Nouveau (Bélgica y Francia), Jugendstil (Alemania y países nórdicos), Sezession (Austria), Modern Style (Reino Unido), Liberty  (Italia) y Modernismo (España). Este movimiento, que busca su fuente de inspiración en la naturaleza, considera la belleza como el valor supremo en el diseño por encima de otros elementos, como el material, contribuyendo así a la  democratización de las joyas; por otra parte, el ideal  de incorporar la belleza a la vida cotidiana hace que objetos de uso común, como  los botones, se convierten en verdaderas obras de arte. Los nuevos sistemas de producción industriales y las nuevas formas de comercialización y distribución, facilitan su difusión entre capas más extensas de la sociedad. 

A finales del siglo XIX y principios del XX se produce un gran desarrollo de la industria química y aparecen en el mercado una gran cantidad de productos químicos para uso doméstico. El progreso comercial y de los medios de comunicación y transporte, favorecen su difusión. Estos artículos se comercializaban en droguerías, a menudo junto a artículos de perfumería e higiene.

Estas cajoneras pertenecen a la Droguería y Perfumería Amador, que abrió en 1912 en la calle Alberto Aguilera y estuvo en funcionamiento a lo largo de todo el siglo XX en la calle Tribulete, lugar al que se trasladó en la década de los 40. Junto a este mueble se conservan  documentación y fotografías relativas al negocio, así como mobiliario y productos variados de diferentes épocas que se vendían en la tienda, y que proporcionan una valiosa información sobre  la evolución de las costumbres y hábitos de consumo a lo largo del siglo XX.

Algunas de las placas que ocupan el frente de los cajones con el nombre del producto, llevan la marca M. Viñado. Esta empresa, con sede en Zaragoza, fue  fundada en 1890 y fue la primera fábrica de España especializada en objetos de hierro esmaltado, placas y rótulos en principio, aunque a mediados de la década de los años 20, debido la aumento de empresas dedicadas a estos mismos artículos, amplió su fabricación a batería de cocina y material eléctrico y sanitario.

 Bajo el cuerpo superior,  una ménsula con tallos vegetales entrelazados llega hasta cada pata; estas son cuadradas en forma de capullo de flor. Los laterales del mueble se cierran con ventana con cristal verde granuloso y marco de perfil sinuoso en su parte superior, y panel de madera con decoración plana de tallos cruzados en la inferior.  Se cubre con una encimera dividida en varias partes de distinto tamaño, de cristales lisos con marco de madera. 

Se trata de un mostrador que perteneció a la Bisutería Otero. Este comercio  abrió en 1905 y estuvo en funcionamiento hasta marzo de 2015. Tuvo su sede en la Calle Mayor de Madrid número 28. Aunque durante estos años adaptó el género a  los diferentes gustos, modas, materiales y técnicas de fabricación, estuvo especializado en adornos de cabeza y bisutería relacionada con indumentaria tradicional.

Recibió la mención de establecimiento tradicional madrileño, título concedido por la Cámara Oficial de Comercio de Madrid a los establecimientos que reúnen una serie de características, entre las que se encuentran la transmisión familiar del negocio en un mínimo de tres generaciones, fidelidad a la fabricación o venta de un mismo producto, o la conservación de los valores estilísticos ornamentales.

Este tipo de comercio especializado en adornos y complementos femeninos empezó su auge  entre finales del XIX y principios del  siglo XX, gracias al desarrollo industrial  comercial y urbano, y acercó el consumo de estos productos a prácticamente todos los sectores de la sociedad. 

Además de este mostrador, el Museo cuenta con otros elementos de la tienda, como un mueble de almacenaje del género,  rótulos exteriores  y elementos de exposición de la mercancía del género de principios de siglo. También se conservan documentos relativos  a proveedores, libros de venta, publicidad, fabricantes, así como diferentes objetos de bisutería de diversas épocas y diferentes materiales .

Estos objetos nos permiten documentar, además de la evolución de las modas y costumbres relacionados con el aderezo personal a lo largo del siglo XX,  la de un tipo de comercio que hoy está casi desaparecido en nuestras ciudades.

La decoración del mueble nos remite al modernismo, estilo vigente en la fecha de fundación del comercio.

A ambos lados del marco se disponen  elementos relacionados con el tejido del algodón: a la derecha, tres lanzaderas, y a la izquierda una rueca con el copo de algodón y un huso.

Este cartel publicita una fábrica de tejidos de algodón barcelonesa, producción en la que estaba  principalmente focalizada la industria textil catalana. En este cartel se observan algunos de los rasgos que caracterizan al cartel modernista, como los motivos vegetales,  la figura femenina vestida con larga túnica y los motivos simbólicos que nos remiten a la industria textil algodonera.

 El cartel, cuyo motivo principal es una mujer vestida a la moda de 1900 (cuerpo de cuello alto con mangas jamón y silueta de «pecho paloma») anuncia la fábrica de panas rodas Güell y Cía en Barcelona. Eusebio Güell y Bacigalupi, I Conde de Güell (Barcelona, 1846 -1918) fue un ilustre empresario que estuvo muy implicado en la vida económica, social, política y cultural catalana. En asociación con Ferran Alsina, fundó una fábrica de panas en Santa Coloma de Cervelló, base de la futura Colonia Güell (1891).

La empresa litográfica productora del cartel es Henrich y Cía, constituida en 1889 y heredera de la imprenta Sucesores de N. Ramírez y Cía, antigua Narciso Ramírez.

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Este cartel anuncia una fábrica de géneros de punto de Barcelona. Esta técnica tiene un origen remoto; su principal propiedad es  la elasticidad, por lo que fue muy utilizada para medias y ropa interior. 

La imprenta Litografía Utrillo & Rialp S. C. productora de este cartel, fue fundada por el ilustrador modernista Antoni Utrillo i Viadera y desempeñó un importante papel en la difusión del cartel modernista.En este anuncio se perciben algunos de los rasgos de este género, como la utilización como motivo principal de la imagen de la mujer, vestida a la moda de la época y destacada sobre un fondo neutro; la delineación del contorno por un grueso trazo y la simplificación de colores (solo se emplean tres en diferentes tonalidades: negro, rojo y verde). Las formas vegetales que decoran el marco también nos remiten a este estilo.

En la parte inferior se abre un vano de medio punto con una puerta, enmarcado en un arco conopial rematado en su vértice por un murciélago, comprendido a su vez en un  diseño escalonado coronado en su cima por una victoria alada con una corona de laurel en cada mano; dentro de este y sobre la puerta, hay tres escudos heráldicos. Ante  la fachada, en primer plano, aparece en el centro una escultura, sobre un pedestal con inscripción, de un personaje masculino sentado que apoya una de sus manos en un mazo y la otra sobre su muslo; en cada uno de sus lados y sobre una escalinata y con una cortina como fondo, hay un  personaje femenino sentado y vestido con túnica y manto; el de la derecha porta una paleta y pinceles en sus manos y  a sus pies hay una lira, un jarrón y una pequeña estatua de Atenea; el de la izquierda sostiene  una tabla de escritura y  a sus pies hay un libro, una lechuza, un coral, una copa con una serpiente enroscada y varios  instrumentos científicos. Toda la estructura se asienta en un plinto en el que se leen diferentes inscripciones.  

Durante el último cuarto del siglo XIX, y como consecuencia del proceso iniciado a partir de la Revolución Industrial y de los grandes avances técnicos y científicos que se suceden en estos años, tienen lugar grandes transformaciones socioeconómicas y culturales. Las ciudades europeas experimentan un gran crecimiento y sufren un proceso de remodelación y mejoras.

Barcelona es un importante  centro comercial e industrial que goza, además, de una intensa actividad cultural. En 1888 se celebra en la ciudad la primera Exposición Universal en España, que tuvo lugar entre e l 8 de abril y el 9 de diciembre en el Parque de  La Ciudadela. Esta exposición,  a la que concurrieron 22 países de todo el mundo y recibió unos 2 240 000 visitantes, implicó la rehabilitación de esta zona y la mejora de las infraestructuras de toda la ciudad, lo que supuso un gran impulso para su modernización.

 La primera Exposición Universal tuvo lugar en Londres en 1851 y a partir de entonces se sucedieron en diferentes capitales mundiales; su finalidad era exponer los avances tecnológicos que marcaban la época y eran acontecimientos de gran relevancia que suponían una gran proyección internacional para el país organizador.

Este cartel es el anuncio oficial de la exposición de Barcelona; su autor, el dibujante y pintor Josep Lluís Pellicer i Fenyé, fue además uno de los organizadores de la  muestra. En el mismo aparecen motivos referentes a las diferentes secciones de la exposición:  minería, comercio, agricultura, marina, enseñanza e industria, así como alegorías de las Bellas Artes y las ciencias, la industria y el trabajo e información alusiva a las diferentes actividades que se desarrollaron durante el evento.

Está impreso por Sucesores de Narciso Ramirez y Cía., continuadora, a partir de 1880, de la empresa Ramírez y Cía., fundada en 1846.

Este tipo de trajes de calle, compuestos de chaqueta y falda oscura y una blusa clara, hicieron su aparición en Europa hacia 1880, de la mano del modista inglés Redfern. Se popularizaron muy rápidamente, ya que eran mucho más cómodos y funcionales que los antiguos trajes y vestidos y se adaptaban mejor al día a día de la nueva mujer, sin perder la elegancia que se exigía en la moda femenina de la época.

Este instrumento, junto a otros conservados en la colección del Museo, procede de Alcañiz, en la zona del Bajo Aragón, y se relaciona con la celebración se la Semana Santa en esa localidad. Alcañiz, junto a otras ocho localidades de esa zona pertenecen a la “Ruta del tambor y del bombo”, englobadas en las tamboradas o rituales de toque de tambor, que junto a otras localidades de Andalucía, Castilla La Mancha, Murcia y Valencia han sido declaradas en 2018 por la UNESCO Patrimonio Cultural Inmaterial. Las tamboradas consisten en repiques rituales de gran intensidad y acompasados de un gran número de tambores que redoblan repetidamente y son de larga duración, tanto de día como de noche, reunidos en espacios públicos, normalmente en las plazas de pueblos y ciudades.

El siglo XIX se convierte en la edad dorada de los medios de transporte de la mano de los avances de la Revolución Industrial. Las primeras bicicletas surgen como inventos propiciados por obtener medios rápidos, económicos y cómodos para desplazarse por las ciudades. Las medidas higienistas de gran peso en esta época, ligadas al desarrollo del ocio y del deporte facilitaron que se pusieran de moda, dejando de ser considerados como juguetes de las clases altas de la sociedad. Pese a los continuos avances introducidos en cuanto a su forma y características técnicas, el auge de los automóviles consiguió desplazarlas, quedando relegadas al ámbito del deporte y al mundo infantil, que es donde se enmarca este triciclo, reproduciendo aquellos modelos similares presentes en el mundo adulto, tanto a nivel técnico como de materiales

El croquet es un juego que se suele ejercitar al aire libre sobre hierba o en una cancha especialmente diseñada y que consiste en golpear las bolas con los mazos a través de unos aros que se fijan al suelo. Desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del XX, que fue desplazado por el tenis, el croquet consigue ponerse de moda entre una sociedad que solía practicar deportes y juegos al aire libre en su tiempo de ocio y disfrute social. Una de las claves que explican la popularidad de este juego fue que podía ser practicado por todos los públicos, especialmente por las mujeres, ya que era el primer deporte al aire libre que podían jugar ambos sexos sobre una base equitativa.

En España, la aparición de este juego se puede fechar en torno a 1870, introduciéndose paulatinamente de la mano de empresarios y comerciantes vinculados con Inglaterra, entre las clases más acomodadas sobre todo en la cornisa cantábrica, contando con gran presencia en Asturias.

Aunque jardines habían existido siempre, es ahora cuando aparece el parque público, entendido como un servicio a la ciudadanía cuyos cuidados y promoción corren a cargo del municipio.La propagación de las ideas higienistas, que propugnaban el disfrute de la naturaleza como alternativa a las condiciones de  insalubridad que en las que se vivía en algunas zonas de las ciudades, favorece la expansión de los parques y jardines públicos.

El jardín representado en el cartel es el parque de la Ciudadela de Barcelona- ciudad a la que pertenece el escudo-como indica la Gran Cascada o fuente principal de dicho parque. Fue diseñado por José Fontseré e inaugurado en 1881y fue el primero de la ciudad concebido como parque público.

El autor está firmado por el barcelonés Joan Pellicer Montseny, dibujante y humorista gráfico – trabajó para seminarios satíricos como La Campana de Gracia-  y la ilustración de libros. La imprenta responsable de la impresión es Henrich. Y Cª de Barcelona.

El teatro en todas sus variedades- entre ellas la zarzuela- fue una de las actividades de ocio favoritas en el siglo XIX. Esta modalidad de espectáculo, que combina música y teatro y tiene una temática generalmente costumbrista, nace a mediados de siglo en España; gozó de gran éxito, tanto en España como en Hispanoamérica,  hasta aproximadamente mediados del siglo XX.

Este cartel anuncia El chaleco blanco, zarzuela de un acto de Federico Chueca (autor de la música) y Miguel Ramos Carrión (autor del libreto), ambientada en una modesta pensión del Madrid de la época. Fue estrenada el 26 de junio de 1890 en el Teatro Felipe de Madrid.

El diseño del cartel es de Lluis Labarta, ilustrador y pintor, al que se considera uno de los primeros cartelistas artísticos barceloneses. Curiosamente el motivo que ilustra el cartel no se refiere al argumento de la obra, sino que representa  una banda de música infantil. A mediados del siglo XIX, empiezan a prodigarse las actuaciones públicas de las bandas y aparecen las civiles. Por otra parte, el texto resalta la actuación de una compañía de zarzuela infantil; estas compañías líricas infantiles gozaban de cierta popularidad en la época. El cartel está impreso por Lit. Heinrich y Cª en Comta -Sucres  de Ramirez  de Barcelona.

 El hecho de poder utilizar ambos ojos para conseguir un aumento de visión por medio de dos lentes independientes fue todo un reto científico. Tras varios intentos infructuosos, Johann Friedrich Voigtländer y J.T. Hudson, logran, hacia 1800, unos binoculares con puente que se podían ajustar. Pronto se convirtieron en un elemento definidor del estatus de quien lo llevaba, adornándose, como en este caso, con placas de marfil. Esta pieza es de la marca IRIS, casa parisina especialista en prismáticos. 

Entallada al cuerpo y con dos largas caídas en el delantero, lo que formalmente podría convertirla en una manteleta, se decora con galones de pasamanería de seda y chenilla, además de guarnición bordada con motivos de inspiración oriental. Esta prenda surge, en torno a los años treinta del silgo XIX, como evolución de la mantilla, siendo desde entonces muy utilizada a lo largo de toda la centuria. Mención aparte merece el sombrero, ejemplo de la eclosión que sufre la plumería, como parte del adorno personal, desde el último cuarto del siglo XIX, propiciado por el pujante comercio de especímenes exóticos provenientes de Sudamérica y África. 

Es un traje de noche, de línea en S, realizado por la casa de modas Mme C. Ponsa, de Barcelona, en torno a 1900. Tanto las formas sinuosas como los motivos naturales de su decoración son un fiel reflejo del estilo modernista que imperaba en ese momento, en los que la curva se convierte en el elemento definitorio de la forma de los trajes de mujer, empleando para ello, un pequeño cojín en la parte posterior de las caderas y cuerpos emballenados y rígidos corsés. 

El conjunto presenta etiqueta de una de las primeras y más importantes casas de moda, la casa Doucet, cuyos diseños, a partir de 1874, se atribuyen a Jacques, sin quedar del todo claro si diseñaba él, su padre Édouard o modistas que formaban parte del negocio. La etiqueta de este traje «Mme DOUCET / 21 RUE DE LA PAIX /. FR. DE PLUSIEURS COURS», data el conjunto en el último tercio del siglo XIX, sin que se sepa a qué «madame» hace alusión, ya que la fundadora de la maison, Adèle, había muerto en 1866, que es quien se había quedado con la línea de lencería. Bajo la gobernanza de Jacques Doucet, la casa alcanxó su pico más alto de popularidad. Famoso entre la clientela americana, desarrolló el tailleur como pieza femenina y utilizó su colección de accesorios del XVIII para aplicarlos sobre las piezas. Otro de sus puntos fuertes fue la confección de prendas de piel a medida. La firma cerró, definitivamente, en 1932. 

En el ángulo derecho inferior, una pareja de mujeres jóvenes con vestido largo y mangas de farol están agarradas bailando. Las  inscripciones tienen diversa tipografía, tamaño y color de  letra.

El teatro fue una de las actividades de ocio favoritas de la población urbana. La aparición, a finales de siglo, del teatro por horas, supuso la reducción de las obras y por tanto el abaratamiento de su precio, y dispuso el teatro al alcance de las clases populares. Aparece así lo que se conoce como género chico, que comprende una gran variedad de subgéneros, generalmente cómicos y musicales y que reflejan un modo de vida y de sentir con el que el público se identifica; la zarzuela se adapta a este nuevo formato con representaciones reducidas a un solo acto. Esta modalidad de espectáculo, que combina música y teatro y tiene una temática generalmente costumbrista, nace a mediados del siglo XIX en España y  goza de gran éxito, tanto en España como en Hispanoamérica, hasta aproximadamente mediados del siglo XX. El teatro fue una de las actividades favoritas de ocio de la población urbana. La aparición, a finales de siglo, del teatro por horas supuso la reducción de la duración de las obras, y por tanto el abaratamiento de su precio, y dispuso el teatro al alcance de las clases populares. Aparece así lo que se conoce como género chico, que comprende una gran variedad de subgéneros,  generalmente cómicos y musicales y  que reflejan un modo de vida y de sentir con el que el público se identifica. La zarzuela se adapta a este nuevo formato con representaciones reducidas a un solo acto. Esta modalidad de espectáculo, que combina música y teatro y tiene una temática generalmente costumbrista, nace a mediados del siglo XIX en España y  goza de gran éxito, tanto en España como en Hispanoamérica, hasta aproximadamente mediados del siglo XX. 

Este cartel Anuncia La verbena de la Paloma -subtitulada El boticario y las chulapas y celos mal reprimidos-, sainete lírico en prosa con libreto de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón, que se estrenó el 17 de febrero de 1894 en el Teatro Apolo de Madrid. Está ambientada en vísperas de la madrileña festividad de la Paloma, y en ella aparecen personajes- como el sereno, las chulapas, el tabernero- típicos del Madrid castizo finisecular. Por otra parte, el título de la zarzuela refleja también una de las modalidades de ocio más populares en época, la verbena, fiesta popular con baile que se celebra, generalmente por la noche y al aire libre, con motivo de  alguna festividad.

La imprenta responsable de la  impresión es Henrich y Cía de  Barcelona, empresa que sucedió a la Sociedad de los sucesores de N. Ramírez a finales de la década de 1880.

Estas películas son tiras de cartón en las que se pintaba un motivo simple que se repetía a lo largo de toda su extensión, variando mínimamente en algún gesto o pose. En este caso se representan tres figuras masculinas, que varían en sus gestos corporales o en los objetos que llevan, como paraguas y balones. Al hacer girar el tambor la rápida sucesión de las imágenes genera la sensación de movimiento.

Este objeto se apoya en la teoría de la imagen en movimiento que a su vez se basa en la capacidad del ojo humano para retener una imagen durante un intervalo de tiempo mínimo. Así, mediante la sucesión rápida de imágenes similares se genera una sensación de movimiento. Durante el siglo XIX se inventaron diversos artilugios ópticos, muchas veces concebidos como meros objetos lúdicos, hasta el punto de denominarse de forma genérica como jueguetes ópticos y considerándose los antecedentes remotos de los proyectores de imágenes y de los cinematógrafos.

Estos juguetes ópticos creados en el siglo XIX, junto a otros como el zootropo también aquí expuesto, se basaban en la teoría de la imagen en movimiento, siendo considerados como antecedentes remotos de los proyectores de imágenes y de los cinematógrafos.

En este caso, el lampadoscopio recreaba pequeñas escenas que se pintaban en estas placas de cristal, formando un conjunto sin que necesariamente se diera una sucesión cronológica, como sí ocurría con los zootropos. En ellas se pintaban diversos motivos, acordes a los gustos del momento, como vemos en estos ejemplos donde se muestran escenas circenses, niños jugando o animales con actitudes de humanos y vestidos como tales. El proyector dispone en su interior de una fuente de luz que se proyectaba a través del visor, en el que previamente se coloca la película de cristal decorada. Al pasar la luz a través del cristal se proyectaba la imagen a mayor tamaño sobre una superfcie plana y se tenía que pasar el cristal a través de la ranura situada en frente del foco, de tal manera que se proyectaban las diferentes escenas que componían las historias o los diferentes motivos.

Se conserva junto a su funda realizada en cuero sintético negro con cierre automático metálico y tres carretes fotográficos iguales con funda de protección de la película de 4,5 x 6 cm en sus cajas originales.

Esta pequeña cámara, conocida por su pequeño tamaño, constituye una de las producciones más icónica de la firma estadounidense Kodak, siendo la cámara plegable más vendida entre los años 1912 y 1926. La compañía, fundada en 1892, se marcó como uno de sus objetivos la popularización de la técnica fotográfica, mediante la creación de máquinas más manejables y asequibles, y películas que simplificasen el proceso de obtención de la imagen. También Kodak destacó por la introducción de las primeras películas fotográficas de papel, sustituyendo así al complicado anterior sistema de placas de vidrio, y que se encuentran representadas en esta vitrina. 

Además, como podemos apreciar, la cámara se comercializaba en un estuche a la medida, que facilitaba su transporte cómodo, a la vez que la protegía. Precisamente, este modelo de cámara era conocido por su capacidad para adaptarse a los bolsillos de la indumentaria, faciltando su traslado. 

Uno de los grandes avances científicos y técnicos del siglo XIX, y de enorme trascendencia para el XX, es el de la fotografía. Al amparo de todo el progreso industrial, la fotografía vendría a revolucionar la forma de plasmar la imagen, con importantes implicaciones sociales y económicas. La fotografía, durante todo el siglo XIX, se asocia a la nueva clase social triunfante, la burguesía. Frente al retrato, tradicionalmente asociado a las clases aristocráticas, la burguesía encuentra en la fotografía una forma novedosa de plasmar su incipiente papel social.

 Esta cámara lleva la firma de Voigtländer & Sohn, que gozó gran fama y prestigio durante el siglo XIX y primera mitad del siglo XX, destacando por la calidad de sus lentes ópticas y por su capacidad innovadora.  Es un modelo interesante porque además conserva una etiqueta manuscrita y adherida a la tapa de cartón que protege la lente, donde se indican las instrucciones para lograr la calidad adecuada de la muestra.

Estos juguetes ópticos creados en el siglo XIX, junto a otros como el zootropo también aquí expuesto, se basaban en la teoría de la imagen en movimiento, siendo considerados como antecedentes remotos de los proyectores de imágenes y de los cinematógrafos.

En este caso, el lampadoscopio recreaba pequeñas escenas que se pintaban en estas placas de cristal, formando un conjunto sin que necesariamente se diera una sucesión cronológica, como sí ocurría con los zootropos. En ellas se pintaban diversos motivos, acordes a los gustos del momento, como vemos en estos ejemplos donde se muestran escenas circenses, niños jugando o animales con actitudes de humanos y vestidos como tales. El proyector dispone en su interior de una fuente de luz que se proyectaba a través del visor, en el que previamente se coloca la película de cristal decorada. Al pasar la luz a través del cristal se proyectaba la imagen a mayor tamaño sobre una superfcie plana y se tenía que pasar el cristal a través de la ranura situada en frente del foco, de tal manera que se proyectaban las diferentes escenas que componían las historias o los diferentes motivos.