Era frecuente que las sastrerías y comercios de moda tuvieran publicaciones y catálogos procedentes de editoriales de moda extranjeras con estas ilustraciones que mostraban las últimas tendencias del momento. Al no estar demasiado desarrollados por entonces los derechos de autor, muchas imágenes acababan siendo utilizadas sin firma por muchas revistas, perdiéndose la autoría de las ilustraciones, como es este caso. También había ilustradores que trabajaban para diferentes publicaciones y creaban diseños similares o incluso iguales que acababan siendo publicadas bajo diferentes títulos.

La Sastrería González era un negocio familiar madrileño que se fundó en 1860 y cerró sus puertas en el año 2005 tras cuatro generaciones de sastres. La primera sede se ubicaba en una tienda de la calle Espoz y Mina número 40 y en 1943 se trasladó a la Avenida de José Antonio nº 16, posteriormente Gran Vía nº 16. En julio de 1984 recibió el título de `Establecimiento Tradicional Madrileño´ por la Cámara Oficial de Comercio e Industria de Madrid.

Esta pieza viene de la Sastrería González, la cual atesoraba láminas de lustraciones de revistas de moda, ya fuera en cuadernos o incluso decorando sus paredes, para mostrar diferentes modelos de trajes e indumentaria a sus clientes. 

Hasta que llegara el fenómeno mundial tecnológico de la televisión, a mediados del siglo XX las revistas de moda junto a la ilustración publicitaria eran el principal canal de difusión de las nuevas tendencias que se desarrollaban en las grandes ciudades. Por las sastrerías y casas de costura circulaban revistas de moda que podían ser españolas como «La Confianza» o extranjeras como es este caso. Los sastres aprovechaban este tipo de publicaciones que venían de América, Inglaterra o Francia para sacar modelos y patrones o enseñárselas a sus clientes. 

Al no estar demasiado desarrollados por entonces los derechos de autor, muchas imágenes acababan siendo utilizadas sin firma por muchas revistas, perdiéndose la autoría de las ilustraciones, como es este caso. También había ilustradores que trabajaban para diferentes publicaciones y creaban diseños similares o incluso iguales que acababan siendo publicadas bajo diferentes títulos.

La Sastrería González era un negocio familiar madrileño que se fundó en 1860 y cerró sus puertas en el año 2005 tras cuatro generaciones de sastres. La primera sede se ubicaba en una tienda de la calle Espoz y Mina número 40 y en 1943 se trasladó a la Avenida de José Antonio nº 16, posteriormente Gran Vía nº 16. En julio de 1984 recibió el título de `Establecimiento Tradicional Madrileño´ por la Cámara Oficial de Comercio e Industria de Madrid.

Asunción Bastida (1902-1995), modista y propietaria de una casa de alta costura, abrió su primera tienda de géneros de punto en 1926, cuando se casó con Marcelino Mases. Participó en la Exposición Internacional de Barcelona de 1929, dando a conocer la moda hecha en Cataluña. Más tarde se trasladó a la Gran Vía barcelonesa, donde abrió un negocio con el nombre de Modas Mases de Asunción Bastida, dedicado a la alta costura. En 1934 abrió una sucursal en Madrid. Al iniciarse la guerra civil cerró los dos establecimientos. En 1939 reabrió las dos casas, en paseo de Gracià de Barcelona y en la calle Hermosilla de Madrid, donde continuó presentando las colecciones de forma regular. En su taller diseñaba los modelos sobre los maniquíes o a partir de dibujos de figurines de la misma Asunción Bastida.

Formó parte de la Cooperativa de Alta Costura y perteneció al núcleo selecto de los llamados Cinco Grandes (Pedro Rodríguez, Asunción Bastida, El Dique Flotante, Santa Eulalia y Manuel Pertegaz) organizando desfiles en el `Salón de la Moda Española´, cuyas primeras ediciones se celebraron en la Cúpula del Cine Coliseum de Barcelona; y después en el hotel Ritz. Continuó con dos tiendas abiertas, una en Barcelona y la otra en Madrid, y también realizó desfiles en Sevilla de manera habitual. También trabajó en el vestuario del cine español de los años cuarenta y cincuenta.

En 1970 cerró su casa de alta costura aunque continuó trabajando en las colecciones de prêt-à-porter hasta 1975.

Esta pieza viene de la Sastrería González, la cual atesoraba láminas de lustraciones de revistas de moda, ya fuera en cuadernos o incluso decorando sus paredes, para mostrar diferentes modelos de trajes e indumentaria a sus clientes. 

Hasta que llegara el fenómeno mundial tecnológico de la televisión, a mediados del siglo XX las revistas de moda junto a la ilustración publicitaria eran el principal canal de difusión de las nuevas tendencias que se desarrollaban en las grandes ciudades. Por las sastrerías y casas de costura circulaban revistas de moda que podían ser españolas como «La Confianza» o extranjeras como es este caso. Los sastres aprovechaban este tipo de publicaciones que venían de América, Inglaterra o Francia para sacar modelos y patrones o enseñárselas a sus clientes. 

Al no estar demasiado desarrollados por entonces los derechos de autor, muchas imágenes acababan siendo utilizadas sin firma por muchas revistas, perdiéndose la autoría de las ilustraciones, como es este caso. También había ilustradores que trabajaban para diferentes publicaciones y creaban diseños similares o incluso iguales que acababan siendo publicadas bajo diferentes títulos.

La Sastrería González era un negocio familiar madrileño que se fundó en 1860 y cerró sus puertas en el año 2005 tras cuatro generaciones de sastres. La primera sede se ubicaba en una tienda de la calle Espoz y Mina número 40 y en 1943 se trasladó a la Avenida de José Antonio nº 16, posteriormente Gran Vía nº 16. En julio de 1984 recibió el título de `Establecimiento Tradicional Madrileño´ por la Cámara Oficial de Comercio e Industria de Madrid.

Ambas prendas, chaqueta y falda, generan una silueta característica de los años cincuenta, originada a partir del New Look diseñado por Christian Dior: una línea de hombros suaves, cinturas extremadamente pequeñas y faldas de mucho vuelo hasta media pierna, que exageran el volumen de las caderas. El motivo del lazo de abalorios presente en la chaqueta hace un guiño al bow sueter de Elsa Schiaparelli creado en 1927: un jersey de color negro, que ostenta el trampantojo de un lazo blanco, el cual parece aplicado en el pecho cuando en realidad forma parte del tejido. Estos jerseys y chaquetas con efectos ópticos de lazos y otros elementos decorativos, alusivos a los juegos visuales del surrealismo, tendrían un rotundo éxito por su atractivo y su carácter deportivo, siendo reproducidos por otras marcas y comercializándose también su patrón.

El conjunto se completa con un bolso tipo «Kelly» en piel negra, con solapa que cierra con sistema de machiembrado plateado y dos asas, una corta y otra larga. Lleva dos cintas decorativas de piel fijadas en los extremos por dos piezas metálicas doradas. En los laterales tiene dos bolsillos plastón. Este tipo de bolso, en forma de trapecio y con solapa, había sido creado inicialmente en 1930 por Robert Dumas, yerno de Émile Hermès, que le sucedería en la firma Hermès como director. La denominación “Kelly” rendía homenaje a la actriz Grace Kelly, cuya evocación proporcionará tal popularidad a este modelo que será imitado incontables veces, como refleja esta pieza. Se convertirá desde entonces en una tipología icónica entre los complementos de mano del siglo XX. 

La escena retratada se ubica en la playa de La Concha de San Sebastián. Las playas del Cantábrico fueron el principal lugar vacacional de la élite social española desde mediados del siglo XIX- cuando se empieza a institucionalizar el veraneo-  y hasta las primeras décadas del siglo XX, cuando van a ser desplazadas por el Mediterráneo como destino turístico de un espectro social cada vez más amplio e internacional.

Desde mediados del siglo XX la fotografía, será la principal técnica empleada en el cartel publicitario turístico. 

La imprenta Fournier creada en 1870 por Heraclio Fournier y que se especializó en la producción de naipes.

En la parte superior un botón, permite elegir el formato de las fotos, ya que estos modelos contaban con una máscara que se podía insertar para reducir el formato a un tamaño más pequeño, lo que permitía poder realizar más exposiciones con la misma longitud de la película. Cuenta también con una pestaña para fijar el flash y correa.

Franka vendió estos modelos entre 1935 y 1955, dejándose de fabricarse hacia 1957. Se trataban de cámaras bien construidas pero relativamente sencillas, destacando sobre todo por sus objetivos y obturadores alemanes. A medida que empezaron a proliferar las cámaras portátiles, de fácil uso y con soportes fotosensibles que aceleraban el proceso de sus antecesoras, se hicieron más accesibles a un público más general, comenzando a crecer la fotografía amateur y desvinculándose ya de los estudios fotográficos. En torno a 1935 comenzaron a fabricarse modelos como la Rolf, la Rolfix y la Bonafix, ofreciendo una variedad de combinaciones de objetivos y obturadores y una de sus ventajas es que eran bastante económicas.

Los modelos fabricados antes de la guerra, como la Rolfix y la Bonafix, siguieron fabricándose después con algunas modificaciones sobre todo estéticas, como sus placas superior e inferior cromadas, objetivos revestidos y obturadores ya más avanzados. Los años 50 fueron la etapa dorada de Franka, donde empezó a distribuir cámaras por todo el mundo, siendo su principal atractivo su precio asequible y su fabricación alemana.

En la cara superior dos pestañas permiten la fijación del flash. Todo es protegido por una funda de cuero rígido que se cierra con un botón y a la que se puede añadir un correa de cuero para colgar del hombro.

Las cámaras Instamatic se caracterizan por ser  unas cámaras baratas y fáciles de cargar, ya que utilizaban cartuchos de película 126 y 110 que bastaban con ser introducidos en la cámara para empezar a fotografiar.

Kodak lanza su primera cámara en 1888 y popularizará el uso de la cámara y el consumo de los primeros rollos de película bajo el conocido eslógan de “Usted aprieta el botón. Nosotros hacemos el resto”.  Estas cámaras eran una caja con una lente muy simple, una manivela para avanzar un rollo de película con 100 exposiciones y un botón de disparo. Un formato que un siglo después no varió demasiado y en 1963 Kodak lanza la Kodak Instamatic 50 en Reino Unido (poco después comercializará la Instamatic 100 en Estados Unidos), con un precio aproximado de 12 £ (modelo al que pertenece esta cámara) y que iniciará una larga saga de Instamatic, llegándose a fabricar más de 50 millones de esta serie entre 1963 y 1970, con el fin de convertirlo en objeto de consumo de masas. Su facilidad de uso y su coste las convirtieron en un éxito inmediato. La Instamatic50 contaba con unos controles de exposición muy sencillos, tan sólo un ajuste para “soleado” y otro para “nublado/flash”, como se puede apreciar en su frontal. Esta cámara cuenta además con un flash a parte (CE107580), que se insertaba en las pestañas de su parte superior y que se conserva en su caja de cartón original de la marca Kodak.

El responsable de su dieño fue Dean McCormack Peterson, que aportó muchas más innovaciones a la cámara compacta en los años 80 como las  conocidas cámaras de “apuntar y disparar”. Kodak fabricó la Instamatic en Alemania, Francia, Inglaterra y Estados Unidos, pero también fabricó en España la Instamatic25 entre 1966 y 1972. La cámara de nuestra colección pertenece a los primeros modelos de la serie Instamatic y se adquirió en 1963 en los almacenes Lafayette de París.

El secador de pelo es un aparato que expulsa aire caliente o frío con el fin de secar el cabello. Los primeros secadores portátiles y, en general, los primeros electrodomésticos,  aparecen en los años 20 del siglo XX, según se van desarrollando nuevas aplicaciones para la energía eléctrica. Esta fuente de energía no solo impulsó la modernización y crecimiento de las ciudades si no que propició el surgimiento en el mercado de múltiples aparatos de funcionamiento eléctrico y uso doméstico como secadores, ventiladores, calefactores, planchas, frigoríficos, radios, cocinas, lavadoras…, que transformaron la organización  del trabajo doméstico, propiciaron nuevos hábitos y contribuyeron enormemente a la mejora de las condiciones de vida de los ciudadanos; sin embargo, no es hasta después de la segunda Guerra Mundial cuando, favorecido por el crecimiento económico que se produce en Europa, empezó a generalizarse su uso.

El afeitado o rasurado de la barba y el bigote es una práctica higiénica o de aseo masculina que se retrotae a la Antigüedad. En nuestra cultura occidental, este hábito está muy extendido y se asocia a la limpieza y a un aspecto cuidado.  Tradicionalmente se utilizaba para su realización la navaja de afeitar, lo que requería un mantenimiento constante del estado de filo; la máquina de afeitar con cuchilla desechable terminó con esta necesidad e hizo más cómodo y seguro el acto del afeitado. La primera máquina de afeitar de este tipo apareció a finales del siglo XIX, aunque su uso se popularizó a partir la Primera Guerra Mundial. En 1931 el estadounidense Jacob Schick inventó la primera máquina eléctrica, lo que permitió el afeitado en seco (el rasurado con maquinilla desechable se tiene que hacer con agua y jabón). Desde entonces este utensilio se ha perfeccionado y hoy encontramos en el mercado una gran variedad de marcas modelos.

Este vestido formó parte de los uniformes de azafata, para servicio de cabina, que Manuel Pertegaz diseñó en 1968. Evasé de largo por debajo de la rodilla está realizado en piqué de algodón color azul pálido. Tiene escote amplio redondeado con gran cuello de perfil redondeado, mangas al codo rematadas en volante. Decoración bordada en azul marino que recorre el perfil del cuello y los volantes, dibujando una línea de puntos. 

El azul turquesa del vestido rompía con la gama de los novedosos granates con los que Pertegaz creó el resto de uniformes. Un color rojo burdeos que recibió el nombre de “Rosa Real”, en honor  al servicio recién inaugurado de la línea aérea  en el Atlántico Norte. Color que, junto al amarillo y al mostaza, es protagonista también en los complementos para el segundo uniforme de vuelo que fue diseñados por Pertegaz para Iberia en 1977. Una  gorra rígida en tafetán afieltrado de lana en dicho color, con copa circular convexa y borde para ajustar, junto al peinecillo del interior, que lleva el logotipo “IB”.

El conjunto de Berhanyer de 1972 contaba con este abrigo entallado hasta la cintura, con corte en esa altura y cinturilla ancha pespunteada. Canesú y doble lista de seis botones. En la espalda canesú y haldeta con un botón en el centro. Dos bolsillos falsos en los costados. Manga larga, con vuelta de perfil redondeado y botón.

En la espalda canesú y haldeta en el centro, todo pespunteado y de una pieza. De las costuras de los costados salen dos lengüetas superpuestas, pespunteadas y con dos botones circulares de metal con las iniciales “IB”. Finalmente, una blusa, azul y tipo “bodi”, con cuello de pie y manga corta, se abrocha en la entrepierna mediante dos automáticos metálicos. En el centro de la prenda, y recorriéndolo horizontalmente, aparece estampada una decoración en colores beige, azul, verde y amarillo, consistente en franjas paralelas en la espalda, y que en el delantero forman ondas al enmarcar un círculo de color amarillo. El nombre del diseñador, además, aparece en color azul en el lateral izquierdo de la espalda. Por último, remataba el conjunto un abrigo entallado hasta la cintura, con corte en esa altura y cinturilla ancha pespunteada. Canesú y doble lista de seis botones. En la espalda canesú y haldeta con un botón en el centro. Dos bolsillos falsos en los costados. Manga larga, con vuelta de perfil redondeado y botón.

En la colección del Museo del Traje se conservan otras piezas complementarias como la bata para el servicio a bordo. Fue un uniforme reconocido internacionalmente, pues respondía en su conjunto a una imagen corporativa, y los accesorios y estampados curvos formaban un todo homogéneo con los colores del traje. Las prendas fundamentales del uniforme se confeccionaron en SED (Barcelona). 

El conjunto de Berhanyer de 1972 contaba con este abrigo entallado hasta la cintura, con corte en esa altura y cinturilla ancha pespunteada. Canesú y doble lista de seis botones. En la espalda canesú y haldeta con un botón en el centro. Dos bolsillos falsos en los costados. Manga larga, con vuelta de perfil redondeado y botón.

Philippe Charbonneaux fue un importante diseñador industrial francés cuya carrera profesional estuvo siempre vinculada al diseño de prototipos. Desde sus inicios, como proyectista de aviones, su trabajo será reconocido por grandes marcas del mundo del motor como Ford, Bugatti, Renault o Citroën. No obstante, diseñará objetos para distintos ámbitos, desde electrodomésticos hasta juguetes. Este televisor, icono de modernidad en su época, se encuentra también en la colección de instituciones como el  Centre Georges Pompidou de París.

Philippe Charbonneaux fue un importante diseñador industrial francés cuya carrera profesional estuvo siempre vinculada al diseño de prototipos. Desde sus inicios, como proyectista de aviones, su trabajo será reconocido por grandes marcas del mundo del motor como Ford, Bugatti, Renault o Citroën. No obstante, diseñará objetos para distintos ámbitos, desde electrodomésticos hasta juguetes. Este televisor, icono de modernidad en su época, se encuentra también en la colección de instituciones como el  Centre Georges Pompidou de París.

La indumentaria tradicional siempre tuvo una especial influencia sobre la obra de Balenciaga. Concretamente, el diseñador se inspiró en la vestimenta de pescadores y marineros, puesto que su localidad natal, Getaria (Guipúzcoa) es un pueblo de tradición pesquera, y su propio padre era marino. Balenciaga se inspiraría en la indumentaria de los pescadores y marineros vascos que vería desde su infancia para crear prendas sencillas, amplias y cómodas, en lugar de entalladas, que recuerdan a las camisas sueltas y prácticas propias de estos oficios, priorizando siempre la sencillez y la facilidad de movimiento. Asimismo, el diseñador tomaría inspiración de otras tradiciones y costumbres populares, siendo lo español su seña de identidad en el ambiente sofisticado y vanguardista de la moda internacional del momento. También los colores, especialmente aquellos presentes en su tierra vasca natal y en su indumentaria tradicional, serían fuente de inspiración para Balenciaga: el gris, los colores tierra, el rojo y el negro estarán muy presentes en toda su obra. Esta inclinación por lo popular y lo tradicional que encontramos en la obra del diseñador vasco no solo responde a un interés personal, sino que es fruto del regeneracionismo cultural español de comienzos del siglo XX, que estaba llevando a cabo una revalorización de las tradiciones autóctonas, contribuyendo a un creciente interés y deseo de recuperación de las costumbres españolas.

Al igual que la tradición y las costumbres locales, la religión también tuvo una enorme influencia sobre la obra de Balenciaga, puesto que el diseñador era una persona de profunda religiosidad y convicción católica. La historia y el arte español también estuvieron muy presentes en sus creaciones; como ejemplo tenemos el color negro, símbolo de elegancia y modernidad pero también asociado a la majestuosidad de la indumentaria española desde el siglo XVI, y presente en las pinturas de los grandes maestros del Siglo de Oro como Velázquez o Zurbarán. También de Zurbarán, así como de su formación católica, tomará inspiración para crear modelos que, como este vestido, recuerdan a los hábitos de monjes y ascetas y a la indumentaria eclesiástica, dando como resultado diseños de gran sobriedad religiosa, acentuada por el ascetismo del color negro. Austeridad y ascetismo se unen tanto en los diseños de Balenciaga como en su seria personalidad y en su trayectoria profesional: según sus trabajadores, en sus talleres reinaba el silencio, un clima monástico y un aire de misticismo, e incluso sus desfiles, según el diseñador Emanuel Ungaro, eran extremadamente religiosos y en ellos reinaba un silencio absoluto. El resultado de esta personalidad y esta profunda religiosidad son este tipo de formas monacales y depuradas que evocan la silueta de los frailes y las santas de Zurbarán; un retorno a la tradición española a través de una mirada moderna.

La influencia de la indumentaria eclesiástica está de nuevo presente en la obra de Balenciaga en este abrigo de color rojo intenso que toma inspiración en las casullas y las capas pluviales eclesiásticas. Una de las grandes aportaciones del diseñador a la moda fue la creación de nuevas líneas de silueta femenina, como es el caso de este abrigo, de gran sencillez y elegancia, que en lugar de constreñir el movimiento de la mujer prioriza la comodidad y la libertad del cuerpo. El propio Balenciaga era quien concebía la pieza en todo su proceso, no solo su diseño sino también su confección; no obstante, en esta pieza encontramos una ausencia de la perfecta técnica y la precisión constructiva que caracterizan toda su obra, lo cual nos ha llevado a pensar que se trata realmente de una copia. En el contexto de mediados del siglo XX, en el que el sector de la alta costura intentaba permanecer en el ámbito de la exclusividad y la originalidad frente al mercado del prêt-à-porter, al que Balenciaga nunca quiso unirse, la gran demanda de esta nueva forma de producción originó que también apareciera un mercado de copias ilegales que imitaban a la alta costura, como podría ser el caso de esta pieza. Para tratar de eludir en lo posible esta situación, Balenciaga llegó en ocasiones a retrasar hasta un mes la presentación de sus colecciones, para garantizar la exclusividad de sus creaciones.

El segundo dibujo es de un figurín femenino, de espaldas, que representa a una mujer de espaldas luciendo un vestido de manga corta por los hombros, de espalda escotada en ` V ´, cintura ajustada y falda con extra de tela fruncida en la parte trasera, lo que le da más volumen. El estampado simula un diseño floral. También lleva guantes y zapatos de tacón.

Se trata  de dos de los figurines que se crearon para el vestuario femenino de la película ` Los maridos no cenan en casa´ de Jerónimo Mihura, estrenada en Madrid en 1957. En los títulos de crédito de esta película aparece el texto: `El vestuario de los personajes de Rosalía, Lola, Pilar, Mercedes, Marichu, Lulú y Consuelito han sido expresamente confeccionados por PEDRO RODRIGUEZ´. En la esquina inferior izquierda de ambos dibujos aparecen los nombres de las protagonistas para las que se diseñan los modelos: Lola y Pilar y el nº 2 y el nº 4, que indicaría el número del modelo que lucirían estos personajes en película.

Pedro Rodríguez nace en Valencia en 1895 y muere en Barcelona en 1990. Inaugura su casa de alta costura en 1919, que fue la primera que se abrió en España, y en 1940 fundó la Cooperativa de la Alta Costura, de la que fue presidente hasta su muerte. Fue el primer modista español que presentó sus modelos en maniquíes vivos sobre los que modelaba la tela sólo con unos alfileres y unas tijeras. Después se hacia el patrón y el dibujo, que llevaba una muestra de tejido grapada, y todo ello pasaba a los talleres donde confeccionaban los modelos.

Fue también uno de los responsables de la proyección que la moda española tuvo en todo el mundo en las décadas de 1950 y 1960 con una lista de clientas, españolas y extranjeras, interminable. Entre sus creaciones destacan los trajes sastre y los abrigos, una de sus grandes especialidades tras sus años como aprendiz en un taller de sastrería, pero es en sus trajes de gala donde se desarrolla su talento, destacando sus bordados en pedrería, especialmente en sus `trajes-joya´, y un dominio del drapeado insuperable.

Ambos figurines fueron realizados para  la película `Adiós Mimí Pompón´, ambientada en Francia en 1917 y estrenada en 1961, cuyo vestuario femenino fue realizado por Pedro Rodríguez. En este caso se trata de los primeros modelos con los que aparecen los personajes de Mimí y Dorotea. 

Pedro Rodríguez nace en Valencia en 1895 y muere en Barcelona en 1990. Inaugura su casa de alta costura en 1919, que fue la primera que se abrió en España, y en 1940 fundó la Cooperativa de la Alta Costura, de la que fue presidente hasta su muerte. Fue el primer modista español que presentó sus modelos en maniquíes vivos sobre los que modelaba la tela sólo con unos alfileres y unas tijeras. Después se hacia el patrón y el dibujo, que llevaba una muestra de tejido grapada, y todo ello pasaba a los talleres donde confeccionaban los modelos.

Fue también uno de los responsables de la proyección que la moda española tuvo en todo el mundo en las décadas de 1950 y 1960 con una lista de clientas, españolas y extranjeras, interminable. Entre sus creaciones destacan los trajes sastre y los abrigos, una de sus grandes especialidades tras sus años como aprendiz en un taller de sastrería, pero es en sus trajes de gala donde se desarrolla su talento, destacando sus bordados en pedrería, especialmente en sus `trajes-joya´, y un dominio del drapeado insuperable.

Pedro Rodríguez nace en Valencia en 1895 y muere en Barcelona en 1990. Inaugura su casa de alta costura en 1919, que fue la primera que se abrió en España, y en 1940 fundó la Cooperativa de la Alta Costura, de la que fue presidente hasta su muerte y desde donde colaboró activamente para la proyección de la moda española en el exterior, sobre todo en los años 50 y 60.

`Don Quijote de la Mancha´ es una película española dirigida por Rafael Gil y producida por Cifesa en 1947. El diseño de vestuario y los figurines fueron realizados por Manuel Comba y por Eduardo Torre de la Fuente y la confección por la sastrería H. Cornejo. Manuel Comba fue también el asesor histórico de esta película.

El argumento está basado en la novela de Miguel de Cervantes y está considerada una de las versiones más fidedignas: el hidalgo Alonso Quijano pierde la razón por su afición a los libros de caballerías que se lanza a los caminos para emular a sus héroes con la ayuda de Sancho Panza al que nombra su escudero. Esta película fue declarada `de interés nacional´.

Manuel Comba Sigüenza (Madrid 1902-1987), fue una figura fundamental  en el diseño de vestuario, figurinismo y ambientación escénica desde principios de la década de 1940. Era hijo de Juan Comba, pintor de cámara de Alfonso XII y Alfonso XIII y el gran ilustrador de la época de la Restauración española, por lo que tenía acceso directo al archivo de su padre, lo que le permitió tener una fuente documental directa a la hora de asesorar sobre temas de vestuario y ambientación escénica, tanto en teatro como en cine, por lo que fue especialmente valorado en los diseños de vestuario de películas históricas, género muy popular y de gran éxito de público en los años 40 y 50, trabajando en más de setenta títulos, realizados en su mayor parte por la productora Cifesa. 

`Don Quijote de la Mancha´ es una película española dirigida por Rafael Gil y producida por Cifesa en 1947. El diseño de vestuario y los figurines fueron realizados por Manuel Comba y por Eduardo Torre de la Fuente y la confección por la sastrería H. Cornejo. Manuel Comba fue también el asesor histórico de esta película.

El argumento está basado en la novela de Miguel de Cervantes y está considerada una de las versiones más fidedignas: el hidalgo Alonso Quijano pierde la razón por su afición a los libros de caballerías que se lanza a los caminos para emular a sus héroes con la ayuda de Sancho Panza al que nombra su escudero. Esta película fue declarada `de interés nacional´.

Manuel Comba Sigüenza (Madrid 1902-1987), fue una figura fundamental  en el diseño de vestuario, figurinismo y ambientación escénica desde principios de la década de 1940. Era hijo de Juan Comba, pintor de cámara de Alfonso XII y Alfonso XIII y el gran ilustrador de la época de la Restauración española, por lo que tenía acceso directo al archivo de su padre, lo que le permitió tener una fuente documental directa a la hora de asesorar sobre temas de vestuario y ambientación escénica, tanto en teatro como en cine, por lo que fue especialmente valorado en los diseños de vestuario de películas históricas, género muy popular y de gran éxito de público en los años 40 y 50, trabajando en más de setenta títulos, realizados en su mayor parte por la productora Cifesa.

`Don Quijote de la Mancha´ es una película española dirigida por Rafael Gil y producida por Cifesa en 1947. El diseño de vestuario y los figurines fueron realizados por Manuel Comba y por Eduardo Torre de la Fuente y la confección por la sastrería H. Cornejo. Manuel Comba fue también el asesor histórico de esta película.

El argumento está basado en la novela de Miguel de Cervantes y está considerada una de las versiones más fidedignas: el hidalgo Alonso Quijano pierde la razón por su afición a los libros de caballerías que se lanza a los caminos para emular a sus héroes con la ayuda de Sancho Panza al que nombra su escudero. Esta película fue declarada `de interés nacional´.

En el reparto cuenta con Rafael Rivelles como Don Quijote, Juan Calvo como Sancho Panza, Fernando Rey como Sansón Carrasco, Sara Montiel como Antonia, Manolo Morán como el barbero y Juan Espantaleón como el cura.

La Compañía Industrial de Film Español, S.A., conocida como Cifesa, era una empresa española dedicada a la producción y distribución de películas, con sede en Valencia y creada en 1932. Al principio se dedicó exclusivamente a distribuir en España las películas de Columbia Pictures, pero en 1934 ya empezó a producir sus propias películas creando un sistema similar a los estudios de Hollywood, con plantilla propia y estrellas que trabajaban en exclusividad para la productora como Imperio Argentina, Rafael Durán, Amparo Rivelles, Aurora Bautista, Fernando Rey o Alfredo Mayo. Su época de esplendor fueron las décadas de 1940 y 1950 en las que se  realizaron más de setenta largometrajes e innumerables cortos. La productora rodó su última película en 1961 y cerró definitivamente en 1965.

`¿Dónde vas Alfonso XII?´ es una película española dirigida por Luis César Amadori y producida por Pecsa Films en 1958. El asesor histórico de ambiente e indumentaria fue Manuel Comba Sigüenza; el diseño de vestuario corrió a cargo de Joaquín P. Esparza y José Luis Molina; el vestuario de las protagonistas fue confeccionado por Vargas-Ochagavía y el vestuario general por Peris Hermanos.

El argumento se desenvuelve en los últimos años del siglo XIX en España con la subida al trono de Alfonso XII, su boda con su prima María de las Mercedes de Orleans y la dramática y prematura muerte de ésta a los pocos meses de contraído el matrimonio.

Manuel Comba Sigüenza (Madrid 1902-1987), fue una figura fundamental  en el diseño de vestuario, figurinismo y ambientación escénica desde principios de la década de 1940. Era hijo de Juan Comba, pintor de cámara de Alfonso XII y Alfonso XIII y el gran ilustrador de la época de la Restauración española, por lo que tenía acceso directo al archivo de su padre, lo que le permitió tener una fuente documental directa a la hora de asesorar sobre temas de vestuario y ambientación escénica, tanto en teatro como en cine, por lo que fue especialmente valorado en los diseños de vestuario de películas históricas, género muy popular y de gran éxito de público en los años 40 y 50, trabajando en más de setenta títulos, realizados en su mayor parte por la productora Cifesa.

`¿Dónde vas Alfonso XII?´ es una película española dirigida por Luis César Amadori y producida por Pecsa Films en 1958. El asesor histórico de ambiente e indumentaria fue Manuel Comba Sigüenza; el diseño de vestuario corrió a cargo de Joaquín P. Esparza y José Luis Molina; el vestuario de las protagonistas fue confeccionado por Vargas-Ochagavia y el vestuario general por Peris Hermanos.

El argumento se desenvuelve en los últimos años del siglo XIX en España con la subida al trono de Alfonso XII, su boda con su prima María de las Mercedes de Orleans y la dramática y prematura muerte de ésta a los pocos meses de contraído el matrimonio.

Manuel Comba Sigüenza (Madrid 1902-1987), fue una figura fundamental  en el diseño de vestuario, figurinismo y ambientación escénica desde principios de la década de 1940. Era hijo de Juan Comba, pintor de cámara de Alfonso XII y Alfonso XIII y el gran ilustrador de la época de la Restauración española, por lo que tenía acceso directo al archivo de su padre, lo que le permitió tener una fuente documental directa a la hora de asesorar sobre temas de vestuario y ambientación escénica, tanto en teatro como en cine, por lo que fue especialmente valorado en los diseños de vestuario de películas históricas, género muy popular y de gran éxito de público en los años 40 y 50, trabajando en más de setenta títulos, realizados en su mayor parte por la productora Cifesa.

`¿Dónde vas Alfonso XII?´ es una película española dirigida por Luis César Amadori y producida por Pecsa Films en 1958. El asesor histórico de ambiente e indumentaria fue Manuel Comba Sigüenza; el diseño de vestuario corrió a cargo de Joaquín P. Esparza y José Luis Molina; el vestuario de las protagonistas fue confeccionado por Vargas-Ochagavía y el vestuario general por Peris Hermanos.

El argumento se desenvuelve en los últimos años del siglo XIX en España con la subida al trono de Alfonso XII, su boda con su prima María de las Mercedes de Orleans y la dramática y prematura muerte de ésta a los pocos meses de contraído el matrimonio.

En el reparto cuenta con Paquita Rico como María de las Mercedes, Vicente Parra como Alfonso XII, Mercedes Vecino como Isabel II, Tomás Blanco como  el duque de Sesto, José Marco Davó como Antonio Cánovas del Castillo, Jesús Tordesillas como Ceferino el ayudante de Cámara, Ana María Custodio como la duquesa de Montpensier, Lucía Prado  como la infanta Isabel, Félix Dafauce como el duque de Montpensier, Luisa María Payán  como María Cristina de Orleans, Mariano Azaña  como Gobernador o Aurora García Alonso como Clotilde.

A mediados de la década de los cuarenta, José Carreras Planas crea Pecsa Films con intención de dar un impulso a la producción cinematográfica barcelonesa, considerada por aquel entonces una manufactura de comedias de bajo coste. En la década de los años 50 Pecsa Films producirá numerosos largometrajes a pesar de las dificultades económicas que va a ir arrastrando debido a su alta dependencia de los créditos sindicales. Producirán títulos como El fugitivo de Amberes (Miguel Iglesias, 1954), No estamos solos (Miguel Iglesias,1956) o Venta de Vargas (Enrique Cahen Salaberry, 1958), película que tendrá a Lola Flores como protagonista y rendirá mayores beneficios. Ese mismo año, Carreras Planas producirá ¿Dónde vas, Alfonso XII? (Luis César Amadori, 1958), un gran éxito entre el público del cual el productor no pudo disfrutar porque, ante su incapacidad financiera para finalizar el rodaje el distribuidor se quedó con los derechos de explotación de la película. La actividad de Pecsa Films terminó al año siguiente ya que su producción Un mundo para mí (José Antonio de la Loma, 1959) fue la última de la empresa antes de su cierre.

`Teresa de Jesús´ es una película española dirigida por Juan de Orduña y producida por Agrupa Films en 1961. El diseño de vestuario y los figurines fueron realizados por Manuel Comba y la confección por la sastrería Peris Hermanos.

La película narra la vida de Santa Teresa de Jesús, la creación de la orden religiosa de las Carmelitas Descalzas y su lucha con las autoridades eclesiásticas de la época.

Manuel Comba Sigüenza (Madrid 1902-1987), fue una figura fundamental  en el diseño de vestuario, figurinismo y ambientación escénica desde principios de la década de 1940. Era hijo de Juan Comba, pintor de cámara de Alfonso XII y Alfonso XIII y el gran ilustrador de la época de la Restauración española, por lo que tenía acceso directo al archivo de su padre, lo que le permitió tener una fuente documental directa a la hora de asesorar sobre temas de vestuario y ambientación escénica, tanto en teatro como en cine, por lo que fue especialmente valorado en los diseños de vestuario de películas históricas, género muy popular y de gran éxito de público en los años 40 y 50, trabajando en más de setenta títulos, realizados en su mayor parte por la productora Cifesa.

`Teresa de Jesús´ es una película española dirigida por Juan de Orduña y producida por Agrupa Films en 1961. El diseño de vestuario y los figurines fueron realizados por Manuel Comba y la confección por la sastrería Peris Hermanos.

La película narra la vida de Santa Teresa de Jesús, la creación de la orden religiosa de las Carmelitas Descalzas y su lucha con las autoridades eclesiásticas de la época.

Manuel Comba Sigüenza (Madrid 1902-1987), fue una figura fundamental  en el diseño de vestuario, figurinismo y ambientación escénica desde principios de la década de 1940. Era hijo de Juan Comba, pintor de cámara de Alfonso XII y Alfonso XIII y el gran ilustrador de la época de la Restauración española, por lo que tenía acceso directo al archivo de su padre, lo que le permitió tener una fuente documental directa a la hora de asesorar sobre temas de vestuario y ambientación escénica, tanto en teatro como en cine, por lo que fue especialmente valorado en los diseños de vestuario de películas históricas, género muy popular y de gran éxito de público en los años 40 y 50, trabajando en más de setenta títulos, realizados en su mayor parte por la productora Cifesa.

“Teresa de Jesús” es una película española dirigida por Juan de Orduña y producida por Agrupa Films en 1961. El diseño de vestuario y los figurines fueron realizados por Manuel Comba y la confección por la sastrería Peris Hermanos.

La película narra la vida de Santa Teresa de Jesús, la creación de la orden religiosa de las Carmelitas Descalzas y su lucha con las autoridades eclesiásticas de la época.

En el reparto cuenta con Aurora Bautista como Santa Teresa, José Bódalo como el Padre confesor, Manuel Dicenta, Antonio Durán, Margarita Lozano, Alfredo Mayo como el padre Francisco de Borja, Roberto Rey, Jesús Tordesillas, Lina Yegros como Doña Guiomar de Ulloa o María Luz Galicia como la princesa de Éboli.

La Compañía Industrial de Film Español, S.A., conocida como Cifesa, era una empresa española dedicada a la producción y distribución de películas, con sede en Valencia y creada en 1932. Al principio se dedicó exclusivamente a distribuir en España las películas de Columbia Pictures, pero en 1934 ya empezó a producir sus propias películas creando un sistema similar a los estudios de Hollywood, con plantilla propia y estrellas que trabajaban en exclusividad para la productora como Imperio Argentina, Rafael Durán, Amparo Rivelles, Aurora Bautista, Fernando Rey o Alfredo Mayo. Su época de esplendor fueron las décadas de 1940 y 1950 en las que se  realizaron más de setenta largometrajes e innumerables cortos. La productora rodó su última película en 1961 y cerró definitivamente en 1965.

El cine tiene sus comienzos en el cinematógrafo, ideado por los hermanos Lumière y patentado a finales del siglo XIX. Desde entonces la técnica para la proyección de imágenes en movimiento se ha perfeccionado y se ha desarrollado una potente industria en torno  al cine, que ha ido ganando espacio entre las actividades favoritas de ocio; asistir al cine llegó a ser, a mediados del siglo XX, la principal actividad familiar de entretenimiento.

El cartel ha desempeñado un destacado papel en la promoción de las películas y los anuncios de cine se han caracterizado por un estilo propio, definido por las productoras norteamericanas  y sus potentes campañas publicitarias basadas en el «star system» de Hollywood. En el cartel de estos años el principal motivo de la ilustración es la imagen de las estrellas del momento, de modo muy realista, y en segundo plano alguna referencia al argumento de la película.

La película anunciada en el cartel es norteamericana y está ambientada en el mundo del circo; fue dirigida por Cecil B. DeMille, producida por Paramount Pictures y protagonizada por Charlton Heston y Betty Hutton. Se estrenó en 1952 en Estados Unidos y en España en diciembre de 1953; gozó de gran éxito en su época y  fue nominada a varios premios Oscar y ganadora de dos de ellos, como refleja la representación de la estatuilla en el cartel. En el mismo aparecen también representadas los rostros de las estrellas que protagonizan la película.  

El cartel está firmado por Gon. Solís.

La  falda de Elsa Schiaparelli, larga,  tiene forma acampanada en tafetán de algodón mercerrizado azul cobalto. En la parte inferior, algo menos de la mitad de la longitud de la falda, aparece acolchada y pespunteada con líneas paralelas en zig zag.

Cierra en el centro del dealntero con 4 botones circularaes de plástico transparente con el tejido de la falda en parte posterior y base con pie de metal dorado en ojales de tela, y en la cinturilla ocn cuatro corchetes de metal negro.

Lleva dos bolsillos a cadera, oblicuos de ojal y con tapeta tambien acolchada y pespunteada.

La parte acolchada está forrada en tafetán de algodón azul claro.

Falda de Elsa Schiaparelli está confeccionada en gros de Nápoles con urdimbre de rayon naranja y trama de seda amarilla de acabado naranja tornasolado.

Largo al tobillo, con amplio vuelo; tiene cinturilla estrecha, a la que va tableada la falda en grupos de 8 pequeñas y una ancha. 

Cierra en la cinturilla con dos corchetes de metal dorado.

La falda presenta en toda su superficie arrugas verticales irregulares.

Decoración de banda de organdí beige en el borde del escote, en delantero, sobre esta línea de pestañas de plástico con línea de strass engarzado en su base, y cubriendo éstas puntilla de encaje negra. Sobre la capa que cubre la cintura dos filas de cristales facetados negros con forma circular.

Cierra en el costado izquierdo con cremallera de metal plateado y corchetes

Va armado con 5 ballenas. Forrado en tafetán de seda negro, también el volante va forrado. Cinturilla interior con corchete.

Chaqueta en crep de seda negra, con mangas de organdí decoradas. Largo a la cintura,  con pinzas verticales y horizontales de pecho, más otro par vertical en la espalda. Al cuello, cinta acanalada de seda, con tres pliegues hacia el lado izquierdo, que es el del cierre. Mangas globo por debajo del codo, en organdí de algodón marfil, cubiertas con dedoración de pestañas de plástico en cuya base remata con puntilla de bolillos en algodón negro y líneas de cristal facetado transparente engarzadas en metal. 

Cierra en el delantero sobre el lado izquierdo con dos filas de corchetes de metal. 

El cuerpo está forrado en tafetán de seda negra. Las mangas en tul hexagonal de algodón marfil y en el hombro van armadas con malla de nylon transparente. También lleva hombreras por dentro del forro.

La chaqueta tipo bolero en tafetán de seda salvaje de color azul marino.  Es larga por debajo del pecho, recta con abertura en delantero y escote de pico. Tiene manga por encima del codo y, en las hojas del delantero dos bolsillos de tapeta horizontal.

 Espalda construida con dos cortes de tela cosidos longitudinalmente, con cuatro pinzas en la cintura. La decoración estampada sobre el fondo azul oscuro consta de ramas en negro con pequeñas flores blancas. En el interior, forro en tafetán de algodón grisáceo, con cinturilla.

Falda recta en tafetán de algodón azul. De largo a pantorrilla, tiene una abertura en el lado derecho del bajo. Cierra en la espalda con cremallera y dos corchetes con presillas de metal. Está estampada en su totalidad con motivos florales en negro y blanco.

El interior presenta una cinturilla de refuerzo y un forro en tafetán de algodón azul oscuro.

Los trajes sastre de Pedro Rodríguez se caracterizan por ser arquitecturas elaboradas impecablemente, en las que se reflejaban sus diez años de formación como sastre. Estos conjuntos se utilizaban para realizar gestiones o visitas formales que consisten en una chaqueta similar a una americana y una falda del mismo tejido y color. Las telas empleadas solían ser tafetanes de seda o sarga de lana. Evolucionan desde la influencia de los uniformes militares y su sobriedad en colores oscuros en los años 40 y 50, a unos colores más vivos en los años 60 y comienzos de los 70, como el traje amarillo de este modelo.

Pedro Rodríguez nace en Valencia en 1895 y muere en Barcelona en 1990. Inaugura su casa de alta costura en 1919, que fue la primera que se abrió en España, y en 1940 fue uno de los socios fundadores de la Cooperativa de la Alta Costura, de la que fue presidente hasta su muerte. Fue también uno de los responsables de la proyección que la moda española tuvo en todo el mundo en las décadas de 1950 y 1960 con una lista de clientas, españolas y extranjeras, interminable. 

Los vestidos de cóctel tuvieron su momento álgido en los años 50, protagonizando las fiestas y otros actos sociales. Son cortos, por debajo de la rodilla, y ajustados al busto, marcando cintura y ensanchándose en la falda. Suelen ser vestidos suntuosos gracias a su forma y gran volumen y permitían una cierta libertad creativa al autor, que creaba formas especiales y los adornaba con drapeados, bordados, volantes o aplicados.

Estos figurines de gran formato a color servían para decorar los salones de costura de la firma y mostrar a las clientas las nuevas tendencias de cada temporada.

Pedro Rodríguez va a apostar en estos años por los conjuntos con pantalón, que se empezaban a ver cada vez más a menudo en actividades lúdicas, domésticas e incluso eventos sociales. Diseñará muchos modelos con pantalón pirata, como este modelo tan playero.

El diseñador contó en sus diferentes talleres con numerosos dibujantes a lo largo de su trayectoria profesional. Cuando empezaban a trabajar en la firma, estos aprendían el estilo del diseñador para que pudieran unificar la estética de los figurines. Solo conocemos los nombres de aquellos que firmaron sus trabajos, pero por lo general, no podemos confirmar la autoría de la mayoría de figurines de la firma.

Más ajustada será la línea sirena que lleva el segundo figurín (MTFD047539). El modelo es totalmente entallado hasta la rodilla, desde donde se abre hasta el suelo, y estampado, con escote barco y manga larga. Desde los hombros parece caer una capa de tul,  hasta casi el suelo. Se complementa con un velo sujeta con un tocado. 

También entallado es el tercer modelo de novia expuesto (MTFD047540), estampado, con escote en pico y manga larga. En la espalda, desde la cintura arranca una pieza de tejido liso, con mucho volumen, formando una especie de cola. Se complementa con un velo corto.

El último (MTFD047755) se trata de una novia con silueta en reloj de arena, con escote ‘palabra de honor’, corte a cintura y falda de vuelo con un diseño de volante ancho. Tiene un diseño de bordado de pedrería con diseño floral. Lleva como complementos unos guantes y un velo amplio. Los vestidos bordados de pedrería, fueron uno de los estilos más exitosos de Pedro Rodríguez, especialmente en Estados Unidos. Durante los años 50 se aplicaron esencialmente en los vestidos tipo “princesa”, “huso” y “sirena”.

Los fondos documentales de la firma Pedro Rodríguez cuentan con un importante número de figurines de trajes de novia desde los años 40 a los 70, que ayudan a reflejar la evolución desde esos modelos más clásicos de las primeras décadas a las líneas más juveniles de los 70. En las tiendas se presentaban cada temporada unos álbumes de trajes de novia con figurines de gran formato ya que eran la “estrella de la casa”.

El propio diseñador concedía una vital importancia a la visión de las clientas respecto a la creación de nuevas modas y tendencias. En su libro “Para comprender la moda” de 1945 exponía una interesante visión sobre el origen de la moda, defendiendo la complejidad del proceso y el papel fundamental de la clienta informada y crítica en la concepción de nuevos estilos y modelos. Según el modisto: «la clientela (…) no es un rebaño sumiso que acata las órdenes sin chistar. Al contrario, analiza, alaba, desecha de plano este figurín, exige que en tal otro se introduzcan tales o cuales modificaciones, se entusiasma con una tendencia apenas insinuada y pide que se acentúe, protesta contra tal o cual detalle, en una palabra, mantiene despierto su espíritu crítico en tal forma que se puede decir que colabora de veras a la creación de la nueva Moda».

Pedro Rodríguez abordó con gran maestría la técnica del drapeado durante toda su carrera, inspirándose en las túnicas de estatuas griegas y aplicándola tanto a los trajes sastre como a los modelos de tarde, cóctel y noche. A veces, dosifica el drapeado en pequeños motivos o detalles, como en este vestido que lo centra en el escote y en el pliegue de la cintura, singularizando un fourreau (vestido completamente ajustado al cuerpo).  

El siguiente (MTFD051427) representa una mujer con vestido túnica recto y tubular de líneas sencillas, con manga ancha y aplicaciones de pedrería en el escote, las mangas y el bajo de la falda. El diseñador apostará por este tipo de diseños más hacia el final de su carrera.

Finalmente el modelo MTFD051488 con cuello halter, cintura ajustada y falda con vuelo hasta los pies. Muestra un diseño muy elaborado de bordados de pedrería en el cuello y en el bajo de la falda, creando uno de sus famosos “trajes joya”. Pedro Rodríguez dominaba como nadie el uso de pedrería en espectaculares modelos de noche con bordados de pedrería, cuentas de azabache, cristales o lentejuelas metálicas.

A pesar de la permanencia de ciertas normas y expectativas sociales en la época, la mujer podía gozar de mayor libertad en cuanto a la elección de tejidos, colores, formas y adornos en sus vestidos de noche. Por ese motivo, esta tipología ha sido siempre una de las grandes aliadas de los modistos, diseños donde podían exponer su genio creativo y capacidad técnica.

Este modelo es un diseño de la boutique Rango, situada en Carrera de San Jerónimo, en Madrid, y dedicada a la confección a medida de prendas que siguen las tendencias del momento, entonces dictadas en el ámbito nacional por los modistas de la Cooperativa de la Alta Costura Española. Rango tenía fama de ser la boutique más cara de la capital y servía a una clientela muy exclusiva. En este diseño concreto se aprecia la influencia de una casa como El Dique Flotante, firma barcelonesa que en sus orígenes se dedicó a la confección de ropa laboral para los trabajadores del mar, e introdujo más tarde la moda de los trajes de marinero para niños en las comuniones. A partir de los años 20, la empresa se adentró en la producción de costura para mujer y llegó a formar parte de “Los cinco grandes de la Alta Costura española”, con un estilo marcado por la tendencia sport que la diferenció claramente de otras casas españolas.

Se trata de un vestido de apariencia sencilla que esconde un gran virtuosismo técnico, fruto de la pericia de Pertegaz. La línea responde al estilo new look que se difunde durante toda la década a partir de la famosa colección de Christian Dior presentada en 1947 en París, con un talle de cintura muy acentuado y un vuelo generoso de la falda, concebida para vestir sobre algún tipo de enagua. Este modelo en concreto, desplaza el corte de cintura a la cadera, desde donde arranca la falda, dejando el talle ajustado de la cintura muy marcado. Pero lo más destacado es la solución de las bocamangas, que muestra la influencia de Balenciaga en la forma pudorosa con que cubre la zona de la axila, y, sobre todo, el complejo patrón que construye la espalda, hacia donde se desplaza toda la atención del vestido, un hecho que subraya con la original disposición del cuello camisero, abierto hacia esa zona en contra de lo habitual.

La falda es larga a media pierna y en su parte superior (que quedaría oculta por el blusón) es de tejido de tafetán de seda color negro. Para facilitar el uso, tiene cintura fruncida por una cinta de goma elástica. Cierra en el costado izquierdo con cremallera oculta y corchete de metal negro.  Ambas prendas tienen forro en gasa de retorno de algodón mercerizado color negro.

Por su parte, el abrigo está confeccionado en otomán de algodón verde. Es largo y amplio, formando una silueta evasé, y tiene escote a caja y solapas anchas. Los paños que forman los delanteros están cortados en una pieza. La espalda, con costura en el centro y en el canesú, se confecciona con tres paños, de los cuales los dos superiores dan forma a la manga japonesa. Está forrado en raso verde.

El sombrero de Balenciaga es tipo casquete, en tafetán de seda de color añil. La copa es de base cuadrada. Está armado con entretela de paja y alambre en los perfiles, y decorado en el delantero con un lazo en el mismo tejido. Tiene forro en tafetán de rayón blanco y una cinta en gros de Nápoles reforzando el perímetro. Lleva cinta elástica marrón para su sujeción.

Por último, el bolso es cuadrado, con dos fuelles, y está realizado en polipiel verde, con decoración de pespunteado de cuadrados. Tiene cierre machihembrado metálico en la parte delantera, y asas de doble vuelta que se engastan en unos adornos metálicos por ambas caras.

Este conjunto muestra cómo los modistas de alta costura se adaptan a las necesidades de su clientela, que no renuncia a dar muestra de su elegancia en cualquier circunstancia. El diseño nos permite datar con precisión las prendas, que fueron usadas por la propietaria original en el momento de su embarazo. Se ha combinado con tocado de Balenciaga y bolso de firma desconocida, si bien era habitual que el mismo modista diseñara todos los componentes del conjunto utilizando el mismo tejido u otros similares.

En este caso, cierra en ambos costados con dos botones de pasta azul marino y un corchete metálico negro. Ambas prendas tienen forro en gasa de retorno de algodón mercerizado negro. 

Esta pieza es una muestra de la vertiente más funcional del trabajo de Pertegaz, que realiza aquí un diseño para calle que destaca por su modernidad y su carácter sofisticado. Se trata de un conjunto confortable, de hechuras amplias y fácil de vestir, que enlaza con tendencias que se acercan a la moda deportiva sin perder de vista la elegancia en las formas y la noción de lujo que en este caso se expresa en el uso de un tejido rico, de seda salvaje.

 Tiene plomos en el bajo. Por su parte, el vestido es largo por debajo de la rodilla, con tirantes, tiene escote recto y corte a la cintura, donde frunce la falda para desarrollarse con ligero vuelo. El cuerpo del vestido está bordado con pasamanería y abalorios de pasta vítrea negra y cierra en el costado izquierdo con una cremallera oculta metálica negra, y un corchete metálico negro. Tiene forro en el cuerpo de gasa de algodón negro, y cancán en tafetán de algodón mercerizado negro para la falda.

Villarreal, en sintonía con las tendencias que desde París dirige la casa Dior, muestra en este modelo una línea que adquiere el carácter de clásico durante la década de los 50. Conjuntos como este estaban concebidos para ser lucidos en combinación con sombreros, guantes y zapatos a juego, creando un “total look”. La modista fue una de las más cotizadas del panorama de la costura madrileña de los años 50 y 60, y contaba con el “carnet de acheteur” para los desfiles de Dior, que le permitía adquirir en exclusiva patrones de algunos modelos que luego reproducía en sus talleres. Su fama era tal que se decía que sus confecciones mejoraban las de la firma francesa, por lo que gozó de gran éxito entre una clientela renombrada que incluía a personalidades del mundo de Hollywood.

Un diseño para fiesta de Pertegaz que combina una línea sobria y de austero color negro con un toque de fantasía que se materializa en la decoración bordada de acetatos, donde el modista añade un componente imaginativo al utilizar recortes apuntados que generan una superficie irregular y muy original. En esta pieza, Pertegaz recuerda a algunos diseños de Balenciaga que de manera similar contrastan la sobriedad con una interpretación libre de los bordados de fantasía. La labor de bordado es minuciosa y muestra el nivel de perfección técnica que exhibían las artesanas al servicio de la alta costura.

Para combinar con el abrigo, Pertegaz propone un vestido de línea moderna que forma una silueta entallada mediante pinzas, sin recurrir a ningún corte a cintura. De nuevo siguiendo máximas propias de Balenciaga, el modista cuida el confort y añade sendos bolsillos, ocultos en las pinzas, que permiten una pose sofisticada. A pesar de esto, la disposición de los botones a la espalda impide todavía vestirse sin algún tipo de ayuda.

En 1965, la minifalda se impone en la alta moda internacional y llega también a la alta costura española. Este diseño de la boutique Rango no muestra todavía esa tendencia, pero sí avanza un tipo de vestido más juvenil que deja buena parte del cuerpo al descubierto, con tirantes muy estrechos y un amplio escote tanto en el delantero como a la espalda. La decoración queda reducida a una franja de motivos bordados en el bajo de la falda, que sigue mostrando cierta predilección por el recargamiento decorativo propio de la moda más lujosa, pero acoplado ya a una línea más sencilla que entronca con las tendencias más juveniles.

Cierra en el costado izquierdo con una cremallera oculta metálica plateada y corchetes metálicos, y tiene ballenas y cinturilla interior. El cuerpo es corto, hasta la línea debajo del pecho, y está confeccionado en gasa de seda del mismo color y decoración que la falda del vestido. Tiene escote barco, formando un drapeado horizontal con la vuelta del cuello, y no tiene mangas. Cierra en el costado izquierdo con siete corchetes metálicos.

Esta pieza es un buen ejemplo de las producciones más lujosas de Pertegaz para la noche, con un primoroso bordado que se realiza con originales lentejuelas en forma de anillas. La línea es muy estilizada, y encaja a la perfección en el concepto defendido por el modista aragonés de “mujer cisne”. En este momento, el de Olba se encuentra en el cénit de su carrera, con una extensa clientela nacional e internacional. Su proyección comercial le permite disociarse en estos años de la Cooperativa de la Alta Costura Española, una decisión motivada por su desacuerdo con la decisión de integrar en la misma a nuevas firmas como Carmen Mir o Pedro Rovira.